Hablar de Toy Story es mucho más que hablar de juguetes. Es hablar del paso del tiempo y de cómo, más allá de los cambios tecnológicos, el ser humano sigue necesitando lo mismo que siempre ha necesitado: sentirse visto, reconocido y querido.

Bonnie es un claro ejemplo de ello. Es una niña imaginativa y sensible que, apenas ingresa al jardín de infantes, comienza a experimentar una sensación desconocida: la de no encontrar su lugar. La inseguridad, el miedo y la dificultad para conectar con los demás encuentran una forma de expresarse cuando crea a Forky.

Forky es la perla de la vida de Bonnie.

Existe una antigua metáfora que define a la perla como una herida transformada en belleza. Algo que nace de una irritación, de una incomodidad o de un dolor, y que termina convirtiéndose en algo precioso. Forky cumple exactamente esa función. Surge de una herida recién adquirida: la soledad de una niña que se siente excluida en su pequeño mundo, representado por el jardín de infantes.

Con restos de materiales descartados, Bonnie construye aquello que más necesita: un sostén emocional.

Y quizás por eso el personaje resulta tan conmovedor. Porque los adultos hacemos algo parecido. Cuando todo parece desvanecerse, cuando el miedo a lo desconocido nos atraviesa, también construimos nuestros propios amuletos de protección. Escribimos, creamos, soñamos, nos aferramos a recuerdos o inventamos nuevas formas de seguir adelante.

Forky cree que es basura.

Pero en realidad es resiliencia.

Es la prueba de que aquello que nace de nuestras heridas también puede convertirse en algo capaz de acompañarnos, sostenernos y recordarnos quiénes somos

En Toy Story 5, esa misma necesidad de pertenencia parece reaparecer bajo una forma más contemporánea. Ya no se trata únicamente del miedo a quedarse solo en un aula, sino de una realidad que atraviesa a millones de niños: la relación con las pantallas y las redes sociales.

El avance tecnológico ha transformado profundamente las dinámicas familiares. Los padres disponen cada vez de menos tiempo y las pantallas se han convertido, muchas veces, en una solución práctica para entretener, acompañar o distraer. Sin embargo, toda herramienta poderosa exige también una responsabilidad proporcional.

Las redes sociales —incluso aquellas diseñadas específicamente para niños— introducen nuevas formas de interacción, pero también nuevos riesgos. Entre ellos, uno de los más difíciles de detectar: el sentimiento de exclusión.

Porque detrás de cada perfil, cada comentario o cada interacción existe una pregunta profundamente humana que no ha cambiado desde los tiempos de Woody y Buzz: "¿Soy suficiente para que me quieran?"

Para algunos niños, el costo emocional de pertenecer puede ser enorme. La búsqueda de aceptación, la comparación constante y el miedo al rechazo pueden transformarse en una carga difícil de sostener. Y es allí donde el acoso deja de ser solamente una conducta y se convierte en una herida emocional capaz de marcar una infancia.

En este aspecto radica la fortaleza de Toy Story 5: en tender un puente entre generaciones que permita a los padres dimensionar los conflictos actuales y a los hijos comprender que aquello que sienten hoy también estuvo presente en la vida de quienes los precedieron.

La soledad, el deseo de pertenecer y el temor al rechazo han acompañado al ser humano desde el inicio de los tiempos. Lo que ha cambiado no son las emociones, sino las herramientas con las que intentamos comprenderlas y atravesarlas.

Desde las figuras talladas en hueso halladas en antiguas cavernas hasta las pantallas que hoy ocupan gran parte de la infancia, los objetos de juego siempre han cumplido una misma función: ayudarnos a dar forma a aquello que no sabemos cómo expresar con palabras.

Unidos para cambiar paradigmas

La historia personal del director y creador Dan Scanlon sirvió como puntapie para la narrativa del último film de Disney Pixar "Unidos". El, al igual que el personaje Ian Lighfoot (Tom Holland) perdieron a sus padres a una muy temprana edad y con su hermano mayor Barley Lighfoot (Chris Pratt) aprendieron a construir una relación en base a retazos de recuerdos y ausencias. Sobre esta base se creo este road trip fantástico que incrementa su historia al llegar a los 16 años Ian y recibir de manos de su madre un báculo de mago que le permite revivirlo solo por 4 horas, pero claro que algo saldrá mal y los hermanos deberán embarcarse en una carrera mágica juntos para lograr obtener, al menos, algunos momentos con su difunto padre.
El mundo donde habitan los Lighwood está plagado de magia: su mascota es un dragón, el nuevo novio de su madre un minotauro, su casa es un hongo gigante y como bien dijo su director en varias entrevistas uno de los mayores logros del film es entregar tantas criaturas fantásticas como la mente pudiera imaginar (y vaya que lo lograron).

La trama general es una maravillosa road movie fraternal que lleva a estos personajes a recordar los lazos que los unen, de maneras diferentes, a su padre ausente y como ambos construyeron diversos modelos de paternidad en base a lo que poseían, pero sobre todo a lo que anhelaban. Y aquí es donde se construye uno de los mas maravillosos arcos narrativos de la historia : en el análisis de los roles parentales en la vida. Sin entrar en el terreno de los spoilers (porque realmente este es la travesía mas disfrutable de la historia) se pondera el verdadero ejercicio de los roles que conforman una paternidad presente: el cuidado del niño, la diversión, el aprendizaje conjunto, la tutela amorosa, el derecho a fallar en ambas partes. Y nos permite liberarnos del peso de la ausencia cuando descubrimos que alguien si estuvo ahí para ayudarnos en esta travesía: ya sea una madre, un amigo, un tío o un hermano menor. 

En tiempos donde Pixar necesita mirar hacia adelante (significado literal de Onward, el título original del film) luego de las denuncias de acoso sexual y posterior desvinculación de John Lasseter, el rumbo elegido parece ser mas que promisorio. Al igual que Ian y Barley la empresa ha perdido a quien fuera su supervisor creativo mas importante en todos estos años y parte importante de la marca registrada que hoy significa Pixar en el mercado. Pero es tiempo de mirar hacia adelante y desandar, si es necesario,  viejos paradigmas sobre la paternidad y los lazos familiares y en ese camino (como constructores de significado) el camino es mas que adecuado y prometedor.
Como segunda subtrama y de manera muy sutil tambien se puede ver una crítica (o al menos un llamado de atención) a la industria del entretenimiento cuando vemos este concepto de la "domesticación de la magia". Disney la gran fábrica del entretenimiento, la gran creadora de magia a gran escala también debe detenerse en este proceso y evitar su automatización a riesgo de caer en la pérdida total de su elemento distintivo: la invitación a soñar despiertos. Particularmente esta lectura se hará totalmente notable en el arco del personaje de La Manticora (con la magistral y potente voz de Octavia Spencer) un personaje mágico que ha sido totalmente devorado por la industrialización de sus particularidades.

Pixar, al igual que el padre de Ian y Bradley, ha perdido su cabeza visible.Pero esta crisis se transformó en una oportunidad para replantearse su propio origen y el rumbo que elige seguir: si el de una industria automatizada de la magia envasada o una alquimia que permita reelaborar conceptos y ayudar a construir vínculos mas sanos y menos frustrantes.

CALIFICACIÓN 7/10

Gilda una mujer que no se arrepintió de sus amores

Miriam se mira en el espejo, con la mirada vacía y fija. Se acomoda su cabello para que no este desordenado, un clip en cada costado termina de acomodar a lo más rebelde que habita su cabeza. En su cuello una cadena dorada se empeña en ir donde no debe, Miriam la acomoda y se mira. Ese corazón partido siempre debe estar en el mismo lugar, todo debe permanecer igual le guste o no.

Su vida en el jardín de infantes donde trabaja es monótona y tediosa, pero sabe que no tiene demasiadas opciones. Su treinta años le pesan como para pegar un volantazo, pero de todas formas toma el diario para ver si existe alguna escapatoria a este tedio y entonces ve un aviso que pide cantantes.

Casi sin fe se dirige al lugar donde la convocatoria fue realizada y allí un grupo de mujeres voluptuosas y seguras de si mismas tratan de aplicar para el puesto. Y es entonces cuando ella realiza un gesto imperceptible, pero que cambia todo. Se desata y alborota el pelo, ese cabello renegrido que como ella pugnaba por liberarse y tener forma propia.

Este pequeño gesto en el film Gilda dirigido por Lorena Muñoz y protagonizado por Natalia Oreiro marca el inicio de una viaje de autodescubrimiento que sin lugar a dudas marcara a todos los espectadores. La cámara inquieta de la directora, con un marcado tono documentalista y la ductilidad de Oreiro hacen del film una de las propuestas más interesantes en muchísimos años. La mirada del film sobre el lugar de la mujer y el eterno conflicto entre el mandato social y la vocación personal es retratada sin artificio y sin la mirada romántica que solemos presenciar en el cine convencional.

Siempre que el personaje principal decide dar un volantazo en su vida, el pasado parece desaparecer para dar paso a lo nuevo. En cambio en Gilda el pasado de Miriam está en constante pugna con el deseo del nacimiento de la cantante popular y esto dota al relato de un conflicto real que necesita ser explorado.

Dentro de los muchos méritos que posee el film está la honestidad con que refleja a sus personajes y el amor que le profesa a cada uno de ellos. El primer marido de Miriam no es mostrado como un monstruo sin corazón que no la dejaba crecer, sino como un hombre superado por los cambios que su esposa atravesaba y que no pudo seguir el ritmo de esa metamorfósis. Y en esto también reside el gran acierto de la mirada del film: no hay juicios de valor sobre la moral de sus protagonistas, porque entiende que no existen respuestas unívocas a ciertos planteos existenciales.

La mirada amorosa de Muñoz sobre el universo femenino ayuda a entender a esta mujer que vivió los últimos años de su vida debatida entre el deber ser y la realización personal. Los cuadros musicales interpretados por Natalia Oreiro son de una belleza y fuerza tal como pocas veces se ha visto en la pantalla y permiten al espectador entender esa pulsión que los artistas sienten por estar en el escenario.

Porque el nacimiento de Gilda es justamente la entrega de Miriam a esa necesidad de trascender, de ser recordada y querida por el público y hasta incluso venerada como santa.

Gilda es un film de una belleza indiscutible, que también nos invita a reflexionar sobre el rol femenino en la sociedad y cómo algunas mujeres se animan a derribar estereotipos para dar lugar al nacimiento de nuevos paradigmas.

La magia de la música de Gilda sigue cautivando a generaciones que incluso nacieron luego de su muerte y es el combustible que le da a este film la  fuerza de un río incontenible que arrasa con todo a su paso. Eso fue Gilda y eso es el film : una fuerza de la naturaleza incontenible y majestuosa.

Las Insoladas adelanto de la entrevista radial a Gustavo Taretto

Los acordes de " Here come the sun" (en ritmo caribeño) nos introducirán en este universo femenino que se sitúa en una terraza, plagada de membrana asfáltica donde estas jovenes se reunen a tomar sol. Ellas son Vicky (Violeta Urtizberea), Lala ( Luisana Lopilato), Flor ( Carla Peterson), Sol ( Maricel Alvarez),Valeria ( Marina Bellati) y Karina ( Elisa Carricajo).

Estas mujeres se dan cita en ese inhóspito lugar para realizar uno  de las ceremonias más comunes entre las argentinas de medianos recursos en los noventa : tomar sol hasta lograr el bronceado perfecto. Poco se sabía sobre el agujero de ozono o sus implicancias para la salud, lo importante era lucir bronceada. Los que tuvieran los medios lo harían en piletas , en countrys o en las playas del caribe, para el resto las terrazas eran el territorio ideal para imitar el tono sexy que se necesitaba para lucir espléndida por la nocheY lo cierto es que estas jovenes, compañeras de una clase de salsa, deben competir esa noche en un certámen que les permitirá ganar una sustancial suma de dinero, por lo que ningún sacrificio parecerá exagerado. Extraños ungüentos cubrirán sus pieles mientras comparten el proceso de convertirse en algo distinto a lo que son.
El relato  en si mismo no es mucho más que eso: el delicado retrato de seis mujeres jovenes que sueñan con convertirse en  algo más de lo que parecen condenadas  a ser. Sin embargo si observamos con más detalle podemos ver diversos elementos que nos dibujan el retrato de una época muy reciente de nuestra vida social.

Las insoladas son ese grupo etario de jovenes que se quedaron afuera del paraíso menemista del uno a uno, esas promotoras (profesión femenina clave de esa década)  que rasguñaban la felicidad quedándose con alguna muestra gratis de los productos que ofrecían. Esa peluquera de barrio que solo tiene contacto con el Jet Set cuando los peina o esa joven manicura que expresa su arte a través del nail art.

Taretto nos brinda una  mirada certera sobre el universo femenino, de esos espacios netamente restringidos a los hombres, donde las mujeres comparten, pero también se celan, tejen conspiraciones para luego terminar abrazándose en un gesto de fraternidad de género.
Los colores que las rodean (parrafo aparte merece la ambientación de época y la excelente fotografía) parecen contrastar con su gris futuro y justamente este encuentro parece ser para todas ellas la puerta de salida que tanto se les niega.
Las Insoladas es la mirada dulce , sin juicios a esa clase social que solo vió la opulencia, la pizza y el champagne desde afuera. Los que no fueron invitados a la fiesta,pero terminaron pagándola.
Una pequeña gran historia sobre un período de nuestra historia  que ha dejado muchas marcas en una generación , que vivió sin protección y terminó quemándose.
Este sábado en EQRadio entrevistaremos a su director Gustavo Taretto, si quieren oir la reseña que realice el sábado pasado clickeen este link
¡Los espero mañana de 14 a 17 hs en Desenchufados !

Relatos salvajes radiales

Sin lugar a dudas el éxito de Relatos Salvajes es indiscutible, a pesar de los oportunistas de siempre que quieren impulsarse por los vientos de la polémica para sacar provecho propio de este evento cinematográfico.

La suerte y la insistencia me dieron la oportunidad de hablar con dos personas importantisimas en la producción del film :Axel Kutchevatzky.Más allá de la satisfacción personal de poder entrevistar a uno de los referentes de la cinefilia pop moderna la charla que tuvimos fue por demás amena y nos permitió relacionar el presente suceso de Relatos Salvajes con lo que ya ocurrió con El Secreto de sus ojos.

Les dejo aquí el audio para aquellos que no pudieron escucharlo el día de su emisión por Desenchufados. 

Pero para que la cobertura no fuera simplemente por el lado de la producción del film también nos dimos el inmenso gusto de hablar con Diego Gentile el protagonista del relato "Hasta que la muerte nos separe " el se adentró mucho más en el proceso de producción de cada uno de los episodios y nos confirmo que los mismos se grabaron de forma totalmente independiente, por lo que muchos de los actores vieron el resultado final mucho tiempo después de haber grabado sus respectivas participaciones.

Con ustedes las palabras de Diego sobre todo el maravilloso proceso de creación de la obra 

El tiempo dirá el lugar en la historia que ocupará Relatos Salvajes, por lo pronto son nuevo bríos para el alicaído mercado argentino, ojalá algún día todos los films de calidad argentina sean los que llenen las salas y despierten el interés del espectador promedio.

Por lo pronto festejamos que sea un cine de factura nacional el que este protagonizando este éxito de taquilla y soñamos con que todos los realizadores capaces tengan su espacio para desarrollar sus proyectos.

Tu verbo vive en mi carne

Uno siempre recuerda las primeras veces que se encuentra con los "amores de la vida" en mi caso mi contacto inicial con Gustavo Cerati fue tan fortuito como mágico.Yo soy hija única, no tengo hermanos mayores que me hayan iniciado en las artes musicales, de modo que mis primeras predilecciones en materia de interpretes eran puro instinto y busqueda personal.

Pero lo que no otorga la familia lo termina supliendo la curiosidad y si hay algo que era de pequeña ( y aún sigo siendo) es una incansable buscadora de cosas nuevas. Así que allá por los comienzos de los ochenta y en la feria de mi pueblito Longchamps me compré la version trucha de Nada Personal.
Llegué a casa y con mis apenas diez años me puse a disfrutar en el equipo de música del living de aquel elixir musical.

No pasó mucho tiempo para que mi mamá diera la voz de alarma " o puedo ser tu violador " no era tal vez el mejor mensaje a escuchar para una nena de diez años, pero tambien es cierto que yo ni siquiera llegaba a vislumbrar el significado de esa expresión y estaba totalmente obnubilada por su voz,carisma y atractivo.

Claro está que para los adultos o jóvenes adolescentes había miles de mensajes encriptados "..el régimen se acabó, se acabó", pero en para las niñas de guardapolvo que íbamos al primario Soda Stereo era la adoración pura.

Los años pasaron y poco a poco el rock y el pop le fueron quedando chicos, entonces comenzó una movida experimental que marcaría los orígenes mismos de lo que se daba en conocer como los" sónicos".Bajo sus alas apadrinó a grandes bandas como Babasónicos, Peligrosos Gorriones, Los Brujos,Leo García. 

Todos eran sus pichones, sus discipulos y a la vez renovaban sus bríos creativos.Y allí ibamos en malones a escuchar ese nuevo sonido que el nos decía que valía la pena, para una generación entera Gustavo Cerati era un patriarca de las nuevas olas que nos marcaba el camino a seguir.

Pronto ocurriría lo peor: conocería a alguien que lo enamoraría. Porque es necesario entender que las mujeres siempre creemos que tenemos una mínima chance. Cuando una es adolescente y te enterás que tu ídolo va a casarse el mundo se te derrumba,pero Cecilia Amenabar era tan adorable que logró vencer ese odio visceral y vivimos su embarazo con la dulzura del video "Si te llevo es para que me lleves"

La vida siguió y llegó Lisa también a unirse a la familia y el éxito de aquella banda ya no fue nacional sino que se extendió por toda América en tiempos donde internet era un incipiente medio de comunicación que empezaba a manifestarse

Crecimos,terminamos el secundario y su música seguía siendo la única constante en nuestras vidas, se volvieron tremendamente famosos y devino lo peor. Anunciaron su separación, literalmente sentí que mi corazón se partía , ellos eran una de las pocas cosas que en tantos años no me había defraudado, el gran norte de mi vida.

Me indigné muchisimo, dije que nunca más iba a oír ninguno de sus proyectos personales........hasta que llegó Bocanada y entendí que Gustavo tenía cosas para decir tan personales que excedían los tiempos y las formas de Soda.

Y lo perdoné y me definí a mi misma como una fiel seguidora de sus proyectos personales, fuí a sus recitales, me corté el pelo en su peluquería, hasta me lo crucé como público eventual de bandas como Miranda! en algún recital de Niceto.

Luego pasó lo que nadie esperaba, un ACV lo dejó en stand by. Esa usina de creaciones por primera vez en más de veinte años parecía estar apagada.
Pero los que lo amábamos teníamos la esperanza de un milagro.El nos enseñó que se merecía lo que se soñaba y por cuatro años no dejamos de imaginarlo despertándose para volver a unirse al mundo.

Ayer esa ilusión terminó. Tibiamente nos fuimos comunicando todos aquellos que somos parte de un universo ceratiano para darnos la noticia. Para decirnos que tal vez es mejor así, que el no sufre más, que no se merecía vivir así.
Lo cierto es que nos sentimos más solos, desamparados.Porque el fue parte de un entorno que nos daba seguridad. Todo estaba bien si en el mundo existía un hombre como el que sacaba esos discos que te ponían en comunión con el universo.

Y sentimos que todo lo que rodeó  nuestra infancia no está más y nos da miedo, nos da terror ver que cada vez hay menos cosas que nos definan. Es maravilloso haber vivido en su época, haberlo visto crecer hasta niveles jamás pensados, pero queríamos más.
Queríamos seguir escuchándolo muchos años más, experimentar nuevos sonidos y eso ya no será posible.
Deja en el mundo un legado invaluable, marcó la vida de todos nosotros, musicalizó nuestra infancia, adolescencia y vida adulta.

Hoy estamos tristes, tal vez mañana duela un poco menos en definitiva fue el quien nos enseñó que  del mismo dolor vendrá un nuevo amanecer.Hoy cuesta creerlo pero cuando esta oscuro todo empieza verse más claro.

 

Relatos Salvajes : la eterna crispación de la naturaleza humana

Hablar de Relatos Salvajes y reflexionar sobre la misma sin caer en spoilers que arruinen el disfrute de los espectadores parece ser el mayor desafío al momento de tratar de encarar una reseña de este maravilloso universo que ha llegado finalmente a nuestra cartelera de cine.

Por eso el enfoque más adecuado es el del análisis del estilo de narrativo de Szifrón y el espíritu que habita toda la obra, más allá de detenernos en las minucias argumentales de cada uno de los cortos que componen el film.

Szifrón,tanto en sus obras televisivas como en las cinematográficas,mantiene una estrecha relación con las fuentes estéticas que lo nutrieron. La estructura episódica y autoconclusiva de Relatos Salvajes hace recordar muchisimo a Cuentos Asombrosos, Alfred hitchcock presenta o incluso La Dimensión Desconocida. El manejo del absurdo , el humor negro y el sadismo es realizado en cada uno de los episodios con una inteligencia y maestría pocas veces vista.Cierto es que hay sangre, que hay deseos de venganza, de pulsiones descontroladas, pero Szifrón se sitúa exactamente en la vereda opuesta de sus criaturas.Nada en el parece aleatorio,nada es fortuito. Cada uno de sus encuadres,marcaciones, tomas y musicalización de escenas posee la precisión de un cirujano.

Cada uno de los capítulos que componen Relatos Salvajes es un verdadero ejercicio lúdico de la venganza, como si el mismo director quisiera tomar ese inconsciente colectivo reprimido y liberarlo en la gran pantalla en medio una fiesta pagana de rebelión colectiva.

Muchos serán los espectadores que encontrarán en las criaturas de Szifrón la encarnación de años de sometimiento involuntario a las impericias y atrocidades del sistema burocrático imperante y verán como una vez, aunque sea en la pantalla grande, hay posibilidad de escapar de la maquina de picar carne social.

Una lectura meramente coyuntural podrá decir que el espíritu de la película esta inspirado en la "crispación" presente en los últimos tiempos en nuestro país ,pero sin embargo su director dejo bien en claro que la sensación de inminente explosión social está latente en nuestra sociedad desde que el tiene uso de razón.

Los personajes, sobre cuyas historias es preferible no adelantar demasiado, son componentes de un tejido social del cual se encuentran hartos de ser parte y de una forma u otra retiran su cuota de aporte para realizar lo que creen justo.

Todos son firmantes de un contrato social mediante el cual ceden parte de sus derechos individuales en pos de la creación de una entidad mayor ( llamemosle Estado o Familia) que será quien los protegerá en su seno, sin embargo ¿que es lo que pasa cuando ese ente no brinda protección?.¿Esta indefensión nos habilita a volver al Estado de Naturaleza, a volver a convertirnos en salvajes? ¿El Estado o la Familia es nuestra creación colectiva, pero estamos subordinados a ellos?

Las influencias del director están presentes en cada uno de los episodios: Alfred Hitchcock parece sobrevolar el relato de Rita Cortese desde la puesta en escena, el montaje , los encuadres simétricos, la iluminación. Spielberg y la impronta rutera de Fuel también están presentes en la historia de Leonardo Sbaraglia, que termina teniendo tintes Tarantinezcos en su desenlace.La iluminación azulada de Carpenter en el relato interpretado por Ricardo Darín recuerda el cromático anuncio de la locura por venir.

Sin lugar a dudas Relatos Salvajes será una de las películas del año y tendrá la particularidad de permitirnos reflexionar sobre muchos de los cimientos mismos de la sociedad moderna como lo son la justicia, el poder punitivo del estado, las diferencias de clase, la fidelidad, las instituciones sociales.Si a todo esto sumamos una impecable factura técnica con utilización de musica anémpatica en momentos determinantes del film (el tema Lady Lady Lady de Joe Esposito y Aire Libre de Lucie Belmond son dos claros ejemplos de ello) el resultado es un film con una impronta tan argentina como universal.

CALIFICACION: 4,5 MARICINES